Historia del Arte. Segundo de Bachillerato. Contenidos. Bloque I. Escultura griega. José González Ceballos



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Historia del Arte. Segundo de Bachillerato. Contenidos. Bloque I. Escultura griega.

José González Ceballos. Colegio María Auxiliadora (Salesiano). Mérida. Página






2. LA ESCULTURA GRIEGA.



CONTEXTO HISTÓRICO.
La historia de Grecia es la de un mundo dividido en polis (ciudades-estado) y la rivalidad entre ellas. Pero, la lengua y la cultura le dieron un sentido de unidad.

¿Qué aportó la civilización griega?:



  • Colocó al hombre como centro de toda actividad (antropocentrismo): “El hombre es la medida de todas las cosas” (Protágoras).

  • Sentó las bases del arte como objeto de admiración y deleite (Arte por el Are: ideal de belleza se basó en la medida, proporción y criterios racionales.

  • Le debemos los órdenes clásicos (dórico, jónico, corintio).

  • Desarrolló las ciencias (matemática, física, medicina, geografía, historia) y el pensamiento racionalista, naciendo la filosofía (Sócrates, Platón, Aristóteles).

  • Dio gran importancia a la poesía (poemas épicos de Homero).

  • Aportó el sentimiento de religiosidad, la relación con los dioses, humanizados.

  • Nos legó la democracia implantada en la polis de Atenas.

En definitiva, la civilización griega es la base de la cultura occidental.
Se divide el arte griego en grandes etapas:

  • el Periodo Arcaico, siglos VII y VI a.C.

  • el Periodo Clásico en los siglos V y IV a. C.

  • el Periodo Helenístico, desde el siglo III hasta el siglo I a. C.



LA ESCULTURA GRIEGA.
a) Características generales de la escultura griega.
Los ideales griegos brillan en la escultura, pese a que muchas obras las conocemos por copias romanas. Se caracteriza:

  • Hay dos tipos: exenta o de bulto redondo; y relieve integrado en la arquitectura.

  • El tema fundamental es el cuerpo humano idealizado: se busca el ideal de belleza basada en la proporción y el equilibrio de las partes (canon).

  • Era policromada (perdida con el paso del tiempo).

  • Los materiales son el mármol y el bronce.


b) Evolución de la escultura griega.
Periodo Arcaico. Siglos VII-VI a. C.
Hay una clara influencia egipcia: frontalidad, rigidez, pierna ligeramente avanzada, brazos pegados al cuerpo, sonrisa arcaica, musculatura esquemática y ojos almendrados.
Ejemplos arcaicos son:

  • los Kuroi o jóvenes atletas desnudos, destacando el Kouros de Anavyssos.

  • las Korai o doncellas vestidas;

  • el Moscóforo, portador de becerro.

Ejemplos de transición son:



  • el Auriga de Delfos, de bronce;

  • el grupo de los Tiranicidas;

  • el relieve Trono Ludovisi;

  • esculturas de frontones como las del Templo de Afaia en Egina.



Periodo Clásico del siglo V a. C.
Este periodo se caracteriza por:

  • La mayor naturalidad en posturas, la cabeza pierde frontalidad y los brazos se despegan del cuerpo.

  • El Contrapposto con una parte tensa –la pierna que aguanta el peso del cuerpo- y la otra relajada.

  • Un movimiento contenido.

  • La expresión de serenidad.

  • Se aplica el canon de belleza (proporción entre las distintas partes del cuerpo).




El término italiano Contrapposto designa la oposición armónica de las distintas partes del cuerpo, lo que da cierto movimiento y rompe la ley de la frontalidad. Una de las piernas está fija en el suelo y la otra se adelanta, los brazos hacen lo propio, mientras la cabeza mira hacia un lado simulando un paso.

Policleto lo aplicó en el Doríforo: lo representó con una pierna ligeramente flexionada, con lo que la cadera del lado opuesto aparece más elevada, al igual que el hombro de ese mismo lado está a menor altura que el contrario, lo que hace que la figura describa una ligera curva y contracurva (una S). En el siglo IV a. C. Praxíteles practicó un contrapposto muy particular y elegante que fue denominado “curva praxiteliana”.

Los escultores destacados de este periodo son:


Mirón. Fue broncista y un estudioso del movimiento. Su obra fundamental es el Discóbolo. Representa a un atleta en el instante anterior al lanzamiento del disco, con un cuerpo en el momento de su máxima tensión, esfuerzo que no se refleja sin embargo en el rostro, que muestra solo una tenue concentración. La torsión del cuerpo es vigorosa, pero armoniosa. Todo el cuerpo está echado hacia delante por el impulso necesario para poder lanzar el disco.

Como ocurre con la mayor parte de las esculturas griegas más importantes, no se ha conservado la obra original, seguramente realizada en bronce, aunque su forma se conoce gracias a varias copias en mármol talladas en época romana.


Policleto. Fue teórico (escribió El Kanon -La norma-) y estudió las proporciones ideales del cuerpo tomando la cabeza como unidad. Sus obras importantes son el Doríforo o portador de la lanza como tradicionalmente se considera, pero que un análisis de la posición de los dedos de la mano ha generado la hipótesis de que lo que podría sostener era el asa de un escudo; y el Diadumeno, que representa a un atleta griego ciñendo en su cabeza la cinta de la victoria.



Fidias. Fue el escultor que mejor representó el estilo clásico idealizado:

  • serenidad en las expresiones y perfecto estudio anatómico.

  • Utilizó la técnica denominada “paños mojados”: los vestidos se pegan al cuerpo dejando traslucir (trasparentar) la forma corpórea.

  • Trabajó el mármol y la técnica criselefantina (como en la escultura de Atenea Parthenos de la Cella del Partenón).

Dirigió las obras del Partenón, realizando el famoso Friso jónico que rodea la Cella con el tema la Procesión de las Panateneas.




La Procesión de las Panateneas

Las Panateneas eran unas fiestas religiosas anuales de Atenas dedicadas a Atenea, diosa protectora de la ciudad, celebradas entre el 23 y 30 del mes de hecatombeón, equivalente a la segunda mitad del mes de julio.

Por otra parte, cada cuatro años se celebraban las Grandes Panateneas que duraban cuatro días más que las anuales, más prestigiosas y apreciadas por los ciudadanos de Atenas. Iban acompañadas por desfiles militares y por competiciones deportivas, literarias y musicales.

La parte más conocida de este festival es la procesión del peplos o túnica, que ponía el punto y final a las Grandes Panateneas. El peplo era tejido durante todo el año por las mujeres del Ática y ofrecido a la diosa el día 28. El peplos era portado por unas doncellas en una solemne procesión que recorría toda la ciudad hasta la Acrópolis donde se hallaba instalada la estatua de Atenea Parthenos. Además de las doncellas, en la procesión iban sacerdotes, ancianos con ramas de olivo, jóvenes con armaduras, los vencedores de los juegos y embajadores de las colonias atenienses. El festejo terminaba con un gran sacrificio a Atenea y la carne de los animales sacrificados se comía durante un gran banquete que cerraba el festival.

Podemos conocer con precisión cómo se desarrollaba dicha procesión gracias al extraordinario relieve que realizó Fidias para el Partenón, donde narra con detalle la Procesión. En ella aparecen las doncellas que portan el peplos para la diosa, jinetes a caballo, jóvenes que llevan bueyes para el sacrificio, etc.., todo ello bajo la supervisión de los dioses (invisibles a los ojos de los humanos), siendo un magnifico retrato de la sociedad ateniense del siglo V a. C. así como una de las grandes obras escultóricas del Mundo Clásico.





Periodo Clásico del siglo IV a. C.
En este momento encontramos una mayor suavidad y armonía del cuerpo, lo que se consigue con la curva praxiteliana, postura utilizada por Praxíteles para dotar de cierto movimiento a las figuras y consistente en apoyar todo el peso en una de las piernas y así inclinar la cadera opuesta (figura ligeramente arqueada).

El canon de belleza es más esbelto.

Se presta atención a los sentimientos y emociones.

Los escultores de esta etapa son:


Praxíteles. Se caracteriza por un estilo delicado con formas blandas y femeninas, utilizando lacurva praxiteliana”. Obras destacadas son Hermes con Dionisio y la Venus de Cnido.

Hermes con Dionisio se atribuye a Praxíteles o bien, según algunos, se trataría de una copia del siglo I de un original del artista. Los conceptos de perfil griego, nariz griega y curva praxiteliana han pasado a ser modelo de belleza clásica en escultura.

La Venus de Cnido representa a la diosa griega del amor, la belleza y fertilidad, prestándose a realizar, o tras haberlo efectuado, el baño. La desnudez es un logrado elemento de erotismo realzado por las formas curvas y suaves del cuerpo, con perfil sinuoso (en "S"). Afrodita deja caer sus vestiduras sobre una hidria (ánfora para agua) que cumple la función soporte. Parece como si la diosa fuese sorprendida en tal pose, y por eso lleva su mano a cubrir el pubis. Se conservan numerosas copias.





Lisipo. Estiliza la figura alargando el canon (8 cabezas). Su obra fundamental es el Apoxiomeno, que representa a un joven atleta limpiándose con un raspador el polvo, sudor y ungüento de su cuerpo con el pequeño instrumento curvo que los romanos llamaban estrígil. El original, en bronce, se ha perdido, pero se conoce su existencia por la descripción de Plinio el Viejo.
Scopas. Es el escultor de la expresión trágica. Obra fundamental es Ménade, escultura de bulto redondo, réplica romana de la original de mármol. Se conoce también como Ménade danzante o Ménade furiosa y representa a una de las ninfas que acompañaba o rendía culto al dios Dionisos, que posteriormente serán conocidas como “bacantes”. Scopas, pese a que continúa con la tradición en cuanto a las proporciones de los cuerpos, se preocupa por la representación de sentimientos como pasión, violencia y sufrimiento, representando el interior atormentado. Ello se traduce en el cuerpo contorsionado acompañado de la boca entreabierta y los ojos hundidos.




Periodo Helenístico. Siglos III-I a. C.
Las esculturas se humanizan sin perder la idealización del cuerpo:

  • Se representa el Pathos griego: el sufrimiento, la pasión, el sentimiento. Para crear este dramatismo, ayudan los claroscuros o contrastes de luces y sombras.

  • Se rompe con la serenidad y el equilibrio clásicos.

  • Existe un mayor movimiento.

  • Se desarrollan temas anecdóticos y cotidianos.

  • Se prefiere el grupo escultórico con multiplicidad de puntos de vista.

Aparecen diversas escuelas:




  • Escuela de Atenas con obras importantes como:




  • La Venus de Milo, en mármol. Se desconoce su autor (podría ser de Alejandro de Antioquía). Su estilo retoma el interés por el aspecto clasicista de sus formas, lo que hace suponer que el autor se inspiró en los escultores del siglo IV a. C.




  • El Espinario o Niño de la Espina es una copia romana. La escultura, sedente y de bulto redondo, representa un tema cotidiano y natural con un niño intentando sacarse una espina clavada en el pie. La composición ofrece una postura natural, como la pierna cruzada y la cabeza ligeramente inclinada, lo que introducen multiplicidad de puntos de vista que invitan al espectador a rodear la escultura para una mejor contemplación.




  • El niño de la oca. Copia romana en mármol. Es una escultura de carácter naturalista que representa un tema cotidiano o anecdótico: un niño juega con una oca. Reúne muchas características del periodo: se aleja del equilibrio clásico y su composición da movimiento y dinamismo e invita al espectador a rodear la escultura en la búsqueda de múltiples puntos de vista, es muy realista y muestra expresión: el gesto de picardía en el niño y una oca que muestra dolor.



  • El Torso Belvedere es un fragmento de la estatua de un desnudo firmado por Apolonio de Atenas. Se discute a quién representaría (¿Hércules?). La retorcida pose del torso y su extraordinaria musculatura influyó en Miguel Ángel.




  • Escuela de Rodas con obras como:




  • Laocoonte y sus hijos. Es la obra que mejor define la escultura helenística. Atribuida a Agesandros, Polydoros y Athenodores, es de mármol, y narra una escena de la Guerra de Troya, según La Eneida de Virgilio: Laocoonte avisó a los troyanos del engaño del caballo de madera construido por los griegos; Apolo, como castigo por descubrir el engaño, envió dos serpientes marinas para matar a sus hijos; Laocoonte acude a socorrerlos. Se observa una técnica de gran naturalismo con anatomías perfectas y diferentes tratamientos según las texturas, como los cabellos, pliegues de los mantos y la anatomía de los personajes. Su composición es piramidal y dominan las diagonales, las curvas y el escorzo en el cuerpo de Laocoonte, lo que dotan de dinamismo y dramatismo a la escena. Se descubrió en el siglo XVI y ejerció gran influencia en artistas como Miguel Ángel y Bernini, impresionados por su tensión y expresividad.




  • La Victoria de Samotracia. Representa a Niké, la diosa de la victoria. La figura alada se posa sobre la proa de un navío y su cuerpo presenta una leve y graciosa torsión. Va envuelta en un fino chitón y un manto, ropajes que se adhieren al cuerpo dejando traslucir su anatomía que recuerda a la técnica de «paños mojados» de Fidias.




  • Toro Farnesio. El grupo representa el castigo de Dirce por esclavizar a Antíope, hija del rey de Tebas; cuando sus hijos la rescatan castigan a sus captores; la pena de Dirce fue morir arrastrada por un toro. La escena representa a los hijos de Antíope atando unas cuerdas a la cornamenta del animal, mientras Dirce se intenta incorporar. Es una copia romana en mármol de la griega realizada por Apolonio y Taurisco de Tralles. En ella vemos algunas de las características de la etapa helenística: el movimiento helicoidal de su composición piramidal, el realismo con el que se trata a los personajes, la multiplicidad de puntos de vista, los juegos de luces y sombras debido a los entrantes y salientes y la gran expresividad desesperada de de Dirce ante su irremediable destino.




  • Escuela de Pérgamo. Su obra fundamental es Galo moribundo, escultura exenta de mármol, copia romana de la griega. Formaría parte de un conjunto sobre la victoria de Atalo I de Pérgamo sobre los galos. Muestra a un hombre desnudo, recostado y apoyado sobre su brazo derecho flexionado, mientras el izquierdo lo apoya en su pierna derecha y baja la cabeza. Su cuerpo musculado se representa de forma realista. De la herida en su costado derecho mana sangre. Sobre el suelo la espada. Es el momento previo a la muerte del guerrero herido en batalla, que transmite sensación de derrota, resignación y la pronta muerte. El brazo izquierdo sobre la pierna derecha permite la torsión del tronco dotando a la obra de movimiento.




  • Escuela de Alejandría. Predominan los temas alegóricos, como la Alegoría del Nilo, un grupo escultórico que representa al Nilo como un anciano recostado acompañado por 16 niños que rodean y trepan por su cuerpo y que representan los codos que podían crecer las aguas del río en la estación de la inundación de los campos. Es copia romana de un original griego. Se abandona el idealismo clásico y busca un mayor realismo de la figura y el movimiento.






ANÁLISIS Y COMENTARIO Nº 2. KOUROS DE ANAVYSSOS.

Observamos una escultura exenta, de cuerpo entero y de pie, realizada en mármol.


Tema. Es la estatua funeraria del joven Kroisos.
Características formales (estilísticas) y composición.

  • Desnudez.

  • Postura hierática y frontal.

  • Pies firmemente asentados en el suelo y pierna izquierda avanzada.

  • Brazos caídos y pegados al cuerpo y puños cerrados.

  • Ojos almendrados, pómulos salientes y típica sonrisa arcaica.

  • Cabeza adornada por larga cabellera.

  • Musculatura esquemática.

  • En su anatomía se observa simetría.

Sin embargo, pese a tener las características propias de los kouroi, observamos en este unos ojos menos saltones y las orejas mejor modeladas.


Por todas esas características, estamos comentando el Kouros de Anavyssos, que pertenece al Periodo Arcaico del Arte griego. Está fechado h. el 530 a.C.

Es una talla realizada en mármol.

El autor es desconocido.
El periodo arcaico inicia la evolución de la escultura hacia el realismo en la anatomía. Tipos importantes son el Kouros, de influencia egipcia, pero dotado de vida y desnudo; y la Kore, sacerdotisa portadora de ofrendas a los dioses, que lleva el chitón (túnica de manga corta) y el himatión (manto puesto por encima).
En cuanto a su función, este tipo de obras fueron halladas en lugares de culto y en tumbas, por lo que podrían ser representaciones de Apolo, ofrendas dedicadas a una divinidad, una estatua dedicada a un atleta vencedor o el recordatorio de un hombre en su tumba, lo cual no quiere decir que fueran retratos del muerto.

El de Anavyssos es una ofrenda a los dioses, con una inscripción que decía “Párate ante esta tumba y apiádate de Kroisos, muerto en primera línea de combate por el impetuoso Ares”.

Otras obras del periodo arcaico son… (citar)


ANÁLISIS Y COMENTARIO Nº 3. DISCÓBOLO DE MIRÓN.

Observamos una escultura de bulto redondo, exenta, de cuerpo entero y de pie, realizada en mármol (es una copia romana, siendo la original griega de bronce).


Tema. Atleta captado en el momento de lanzar el disco.
Características formales (estilísticas) y composición.

  • El artista imprime gran movimiento y dinamismo al cuerpo: elige el momento en que el atleta sitúa el disco hacia atrás para lanzarlo.

  • El escultor realiza un esfuerzo por alejarse del hieratismo de la época arcaica, y el estudio anatómico alcanza gran perfección.

  • Hay una especial atención al estudio de la tensión de las diferentes partes del cuerpo formadas por triángulos y curvas: cabeza, caderas y pies forman una media circunferencia opuesta a la otra media que forman los brazos extendidos –el derecho hacia atrás para tomar impulso y el izquierdo apoyado en la rodilla.

  • También se aprecia una línea en forma de zigzag y que va desde el disco hasta la parte derecha de la espalda, de ésta a la cadera, de la cadera a la rodilla y de la rodilla al pie levantado.

  • Por otro lado, el rostro, idealizado, no muestra el esfuerzo y la tensión del cuerpo.

Por todo lo analizado, la obra es el Discóbolo, escultura del Arte griego, periodo clásico. Pertenece al siglo V a.C.

El autor es Mirón el cual supone un gran avance con respecto a los artistas del periodo arcaico. Es el escultor del movimiento y fue broncista

Aunque la técnica original fue la fundición (estaba realizado en bronce), la copia romana es una talla y su material, el mármol.
Contenido y función. El Discóbolo representa a un joven en su máxima plenitud física a punto de lanzar el disco, mostrando el ideal atlético de la época. El merito del artista reside en haber elegido una actitud que hiciera creíble y natural esta postura forzada, porque si se intentara lanzar el disco con la postura del Discóbolo, lo único que conseguiría es que éste le cayera a los pies, ya que la escultura fue hecha para crear la ilusión de movimiento y no para mostrar la técnica de los lanzadores.
Importancia de la obra. Supuso un avance decisivo en el estudio del movimiento, de la tensión muscular y de la integración de la figura en el espacio.

Pese a ser una obra del periodo clásico, conserva rasgos del periodo arcaico: rostro inexpresivo y tratamiento arcaico del cabello.


Otros escultores y obras del periodo clásico… (citar autores y obras).
 

ANÁLISIS Y COMENTARIO Nº 4. HERMES CON DIONISIO, PRAXÍTELES

Obra que deben analizar y comentar los alumnos. El trabajo debe presentarse en fecha señalada por el profesor. Para la realización del análisis y comentario, estas son las pautas que deben seguirse:



  • Descripción de lo que se observa.

  • Tipo de escultura, material y técnica.

  • Tema y qué se representa.

  • Elementos formales (estilísticos aspectos) y composición.

Una vez realizado este análisis, hay que señalar:



  • Título.

  • Autor: hablar brevemente de él.

  • Estilo, periodo y cronología.

  • Función e importancia de la obra.

  • Citar alguna obra más del autor y de otros autores del periodo y sus obras.



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